Gedächtnis des Körpers – Verschwindende Zeit – Ökologie

Lee Youngwook(Kunstkritiker)

  1. Wenn man an die Künstlerin Yun-hee Huh denkt, fällt einem als Erstes eine Reihe von Kohlezeichnungen ein. Seit Beginn ihrer Karriere als Künstlerin beschäftigt sie sich seit über 20 Jahren mit Kohlezeichnungen. Außerdem hat sie verschiedene Variationen gezeigt, die diese Zeichnung zu temporären Wandgemälden, Performances und Videoarbeiten erweitern. In den letzten Jahren arbeitet sie in Form eines Tagebuchs, beispielsweise ,,Tagebuch der Blätter(Diary of Leaves)”, bei dem sie jeden Tag ein Blatt aufnimmt, es als Bild zeichnet und Wörter hinzufügt. Seit Kurzem beschäftigt sie sich auch mit dem Zeichnen „ausgestorbener Pflanzen“ mit Acryl- und Ölfarben. Allerdings stehen diese Arbeiten auch in deutlichem Zusammenhang mit den Kohlezeichnungsarbeiten auf der Rückseite. In vielerlei Hinsicht kann man sagen, dass die Essenz der Arbeit der Künstlerin Yun-hee Huh in der Kohlezeichnung liegt.
  1. Auf den ersten Blick kommt mir Yun-hee Huhs Kohlezeichnung bekannt vor. Dort treffen wir auf Formen, die leicht zugänglich sind. Berge, Felder, Vögel, Wasser, Sterne, Bäume, Gletscher, Land, Gras, Blumen, Wind, natürliche Objekte wie Chinakohl, Artefakte wie Häuser, Schiffe, Gebäude, Städte, und es handelt sich um den Körper oder Körperteile, etwa eine anonyme oder imaginäre Person, Gesicht, Hände und Füße. Einzelne Werke enthalten eine oder mehrere dieser Formen. Ihre Zeichnung geht weiter, ohne die symbolische Ebene dieses Prozesses zu verlassen. Und hier kommt die Geschichte. Eine poetisch verdichtete Geschichte, deren größter Teil jedoch mit visuellen Elementen entwickelt wurde. Es ist schwierig, sie im Detail zu bestätigen, aber es ist bis zu einem gewissen Grad möglich, sie zu erraten. Die visuelle Wirkung dieser Bilder ist jedoch auf jeden Fall klar. Auf der Leinwand entfalten sich Momente, die tiefe Sehnsüchte offenbaren, an Ereignisse und Erinnerungen erinnern, an Trost- und Segenshandlungen erinnern, sich katastrophalen Situationen stellen oder sanft leuchten. Sie kommen mit starker Überzeugungskraft und Anziehungskraft auf uns zu. Hier begegnen wir den Zeichnungen von Yun-hee Huh im Ernst.
  1. Das erste, was es zu prüfen gilt, ist Yun-hee Huhs einzigartige Sensibilität und Vorstellungskraft. Diese Sensibilität und Vorstellungskraft offenbaren die Art und Weise, wie sie mit Menschen, allen möglichen Dingen und der Natur umgeht. In ihren Zeichnungen befinden sich Körper, Objekt, Leben sowie deren Vermischung und Ausdruck stets in der Bewegung gegenseitiger Osmose und Umwandlung. Wurzeln sprießen aus dem Haus, die gesprochenen Worte werden zu Blumen und fallen zu Boden, und der wehende Wind verwandelt die Haare, die nach oben wehen, in einen Wald aus Bäumen. Verwundete Füße graben sich in den Weinreben in die Erde, Chinakohle umarmen Berge und Seen und die Stadt sticht auf einem Boot in See. Dies ist die Vorstellungskraft und Sensibilität, die möglich ist, weil Bäume, Häuser, Städte, Seen, Berge und Wind nicht als vom Körper getrennt wahrgenommen werden. In den ersten Zeilen von ,,Namhae geumsan” schrieb der Dichter Lee Seong-bok: „Eine Frau war in Stein eingemauert. Aus Liebe folgte ich ihr in den Stein.” Der Literaturkritiker Hwang Hyunsan interpretierte dies so: „Der Dichter blickt tatsächlich auf die in Stein eingemauerte Frau und glaubt, tatsächlich in den Stein eingedrungen zu sein.“1 Auch das, was Yun-hee Huh fühlt und sich vorstellt, ist so. Ihre Sensibilität und Fantasie berühren ihren Körper. Was sich hier entfaltet, ist eine Art Welt der Interkörperlichkeit.
  1. Der Körper lebt außerhalb der Kontrolle des bewussten Subjekts. Organe und Zellen funktionieren unabhängig von unserem Bewusstsein, so wie sich Wasser in Dampf verwandelt und herunterregnet. Darüber hinaus kommunizieren die Körperorgane und bestimmte Ebenen ihrer Funktionsweise ohne Vermittlung des Bewusstseins mit der Außenwelt. Die Haut atmet Luft, Hände und Füße kommen gleichgültig mit Gegenständen in Berührung und gehen und bewegen sich auf dem Boden. Dieser unbewusste Akt wird unzählige Male wiederholt und sammelt sich zusammen mit den im Prozess der Wiederholung erlebten Sinnen und Emotionen im Körper an und bildet auf natürliche Weise das Unbewusste oder das Körpergedächtnis des Körpers. Die Welt, die der Erinnerung an diesen Körper entspricht, ist auch ein anderer Körper. Der Mensch kommuniziert mit dem riesigen Körper, der Welt um ihn herum, durch den Körper, der ihm gehört. Und alle einzelnen Körper auf der Erde werden in dieser Welt geboren, einem Körper, der alle Dinge, das Leben und die Natur umfasst, und kehrt wieder an diesen Ort zurück.
  1. Wenn ein Künstler ein bestimmtes künstlerisches Motiv wahrnimmt und an die Arbeit geht, gelangt er oft zu einer Art innerem Erlebnis. Es bedeutet, einen seltsamen Effekt in sich selbst zu spüren, der nicht auf einen selbst beschränkt werden kann. Hier berührt die ungewohnte Wirkung auch die gegenseitige Körperlichkeit. Es bedeutet, dass das Subjekt seinen Körper einem anderen Körper in seinem eigenen Körper gegenüber öffnet, der sowohl er selbst als auch der andere ist. Mit anderen Worten, die Erinnerungen an die Kommunikation und Verhandlung mit anderen Körpern, die in den eigenen Körper, also die Welt, eingraviert sind, werden geöffnet. Angesichts einer solchen inneren Erfahrung sind Künstler oft ratlos. Sie haben Angst oder sind verwirrt wegen dieser Fremdheit in ihnen. Sie sind nicht an ihre eigene Andersartigkeit gewöhnt. Ein aufrichtiger und ehrlicher Künstler geht mutig auf diesen seltsamen Effekt zu. Er versucht nicht, diese Unvertrautheit mit einer bereits vertrauten oder klischeehaften Sprache zu kontrollieren oder zu umgehen. Und der Objektivität des Unbekannten und der Erinnerung an den Körper folgend, strebt er ohne Zögern nach Ehrlichkeit und freier Meinungsäußerung. Und wenn das Subjekt in irgendeiner Weise durch eine Beziehung ausgedrückt wird, die der Körper durch den Kontakt mit einem anderen Körper bzw. einer anderen Welt bereits kannte, das Subjekt selbst jedoch nicht kannte, wird das Subjekt bereits zu einem anderen Subjekt. Yun-hee Huhs Zeichnungen offenbaren den Prozess, sich dieser grundsätzlichen Fremdartigkeit zu stellen und sie mit Ernsthaftigkeit zu durchdringen. Und damit stehen wir vor einem unbekannten Bild, das über uns selbst hinausgeht und ein von einem Künstler geschaffenes Bild ist. Objekte, Leben, Menschen und Natur sind miteinander verflochten und treffen auf unbekannte Bilder, die in Stille, Trost und Sehnsucht nach ihnen schreien und mit ihnen in Resonanz treten.2
  1. Kohle ist geeignet, diese Welt der Interkörperlichkeit auszudrücken. Holzkohle ist körperverträglicher als jedes andere Medium. Die Zeichnungen von Yun-hee Huh nutzen diese Eigenschaften der Holzkohle optimal aus. Im Gegensatz zu Pinseln, die zähflüssige Farbe verwenden, oder Bleistiften mit darin eingebetteten Mineralkernen handelt es sich bei Holzkohle selbst um Holzkohle, die durch Verbrennen von Naturholz hergestellt wird. Es gibt kein künstlich koordiniertes Medium oder Werkzeug zwischen Holzkohle und dem Körper. Die Beziehung zwischen Holzkohle und dem Körper (der Hand) ist direkt. Die Hand hält die Kohle und zeichnet einfach so, wie sie ist. Bei Belastung durch die Hand oder den Körper zerkleinert sich die Holzkohle entsprechend. Zerkleinerte und pulverisierte Holzkohle hinterlässt Spuren in Punkten und Linien. Yun-hee Huh zeichnet Linien und zeichnet mit unterschiedlichen Gefühlsströmen, jedes Mal mit unterschiedlicher Geschwindigkeit und Belastung. Abgesehen von der Farbe sind die Ausdrucksmöglichkeiten, die durch das Brechen von Kohlepartikeln erreicht werden, breiter, vielfältiger und reicher als bei jedem anderen Medium. Basierend auf dieser Möglichkeit des Ausdrucks trägt und verlängert Yun-hee Huh die in ihrem Körper angesammelten Erinnerungen und die Erinnerungen, die durch Kommunikation und Verhandlung mit einem anderen Körper in ihren Körper eingetaucht sind. Daher sind ihre Linien einerseits großzügig, andererseits aber auch sensibel und scharf. Und ihre Linien hingegen sind intensiv und weich, dabei unklar und subtil, und der Kontrast zwischen Dunkelheit und Licht ist stark und dringt vor allem in unsere Sinne ein. Darüber hinaus löscht Kohle oder hinterlässt weiche Spuren, wenn bereits gezeichnete Linien mit den Händen oder anderen Materialien gerieben oder geschrubbt werden. Dieses Löschen oder Schrubben ist nützlich, um technisch fehlerhafte Dinge zu beheben. Dieses Reiben und Schrubben sind jedoch auch unerlässlich, um die Erinnerung an den Körper auf dem Bildschirm einzugravieren. Die zurückbleibenden Spuren haben nicht nur eine sensible Textur wie auf der Haut gerieben, sondern ermöglichen durch Schichtung und Überlappung auch farbenfrohe Ausdrucksformen. Bemerkenswert ist auch, dass Holzkohle auf den gesamten Körperbereich reagiert, nicht nur auf die Hände. Entsprechend der gesamten Bandbreite dieses Körpers verwendet sie Linien, die auf den gesamten Körper und nicht auf die Hände reagieren, und Linien, die eher dynamisch und agierend als statisch und beschreibend sind. In diesem Zusammenhang ist es selbstverständlich, dass sich ihre Leinwand immer als Ganzes bewegt und dass sich diese Bewegung nicht auf die Papieroberfläche beschränkt, sondern sich auf Wände, Aktionen und Performances erstreckt.
  1. Die meisten Arbeiten, die Yun-hee Huh während ihres nicht ganz kurzen Studienaufenthalts in Deutschland (1995–2004) anfertigte, waren Kohlezeichnungen. Wie in einem Tagebuch oder bei einem Geständnis offenbaren diese Werke die Welt des inneren Erlebens, der Sehnsucht, die aus der Situation entsteht, in der sich die Künstlerin autobiografisch befand. Doch diese Arbeiten, die durch den Ausdruck ihres persönlichen Schmerzes und ihrer Sehnsüchte Selbstheilung versuchen, führen letztendlich zu einer Bestätigung der Schönheit aller Gesten des Lebens. ,,Durst” (1997) beispielsweise ist eine Serie von Zeichnungen, die während ihrer frühen Jahre in Deutschland entstanden sind. In ihren Arbeiten tauchen häufig hockende oder liegende Figuren auf, als wären sie in der Erde vergraben oder im Mutterleib sitzend. Es scheint sich in einem Zustand des toten Aussehens oder in einem Zustand der Regression zu befinden, aber gleichzeitig ist es eine Haltung des Durstes nach Wasser. Es muss vorerst außer Acht gelassen werden, ob im Hintergrund der Entstehung dieser Arbeit Schwierigkeiten durch das Einwanderungsleben (Studium im Ausland) stecken, ob persönliche psychische Wunden im Spiel sind oder ob nach einem anderen Grund gesucht werden sollte. Yun-hee Huh beschäftigte sich in dieser Zeit mit dem Thema Durst und es liegt als künstlerisches Ereignis vor uns. Die rauen und starken Linien der Kohle, die Schicht der Dunkelheit, die durch das Reiben der Linien sichtbar wird, und die hoffnungslose Situation, die an der schwachen Hoffnungsschnur darin festhält, durchdringen unser Empfinden. Ihre Zeichnungen zu dieser Zeit sind „dunkle“ Zeichnungen.

In den Sommern 1999 und 2001 beteiligte sich Yun-hee Huh an einem naturalistischen Ästhetikprojekt mit dem Titel „Laotisches Dorf“ auf dem Gelände der Académie Galan, Hautes-Pyrénées, in der südwestlichen französischen Provinz Gascogne. Ihre Arbeit ,,Runder Garten” entstand während ihrer Teilnahme im Jahr 1999. Bei dieser Aufgabe grub sie zunächst ein rundes Loch in ihren Boden, das kaum groß genug für ihren Körper war. Neben der Grube machte sie einen Rand von etwa 150 cm Durchmesser um einen runden Stein von der Größe ihrer Faust oder ihres Kopfes, den sie vom Flussufer aufgehoben hatte. Und sie pflanzte Lorbeeren um den Rand herum, ein wenig nach innen. Der Baum wuchs bald so weit, dass die Grube von außen nicht mehr zu sehen war. Für „Sarghaus(Coffin House)“ aus dem Jahr 2001 sammelte sie Kieselsteine vom Flussufer, um auf dem quadratischen Grund das Fundament zu errichten, auf dem ein Körper hineinpasste, und baute darauf eine Hütte. Wieder wurden Kieselsteine auf das Dach der gebauten Hütte gelegt … Yun-hee Huh nannte dieses Haus ein „Sarghaus“, und es nahm buchstäblich die Form eines Sarges an.[1] Ihre Arbeit in dieser Zeit scheint den Abwehrmechanismus einer Person zu zeigen, die die Urkrise ihrer Selbstexistenz gespürt hat und die letzte Flamme ihres Lebens erreicht hat. Es ist wie die Erwartung des Lebenszyklus einer Person, die es schafft, ihre schwache, aber verzweifelte Sehnsucht in ihrer unvermeidlichen Isolation fortzusetzen.

  1. Ab etwa 2000 begannen relativ „helle“ Zeichnungen. Nun verschwindet die dunkle, an den Untergrund erinnernde Schicht, die mehr als die Hälfte des Bildschirms bedeckte, und die darin eingebetteten Figuren kommen zum Vorschein. Eine Figur, die in dieser Zeit häufig auftaucht, ist ein kleines „Schiff“(insbesondere mit einem Gesicht darauf). Es entstand eine Serie mit dem Titel „Reise“(2002), und Werke wie „Segeln“(2001) und „Verlassen“(2002) stehen im gleichen Kontext. Man kann vermuten, dass dieses Motiv mit der persönlichen Geschichte zusammenhängt. Auch wenn sie versucht, mit ihrem kleinen Boot abzureisen, oder wenn sie sich „Reise“ und „Segeln“ vorstellt, kann man daraus schließen, dass sie zumindest anfängt, aus der vorherigen hoffnungslosen Situation zu fliehen. Allerdings steht auch die Attraktivität dieser Zeichnungen im Vordergrund. In ,,Segeln”, das auf an der Wand befestigtem Papier gezeichnet ist, stechen Gesicht und Körper einer schwimmenden Figur hervor. Der Gesichtsausdruck der nach vorne gerichteten Person ist friedlich, als ob sie müde wäre. Die beim Schwimmen ausgestoßenen Wassertropfen und der Schaum kehren als Wellen des Schwimmwassers zurück. Der Wasserfluss, der ein Netzwerk aus überlappenden dünnen Linien bildet, umhüllt in sanftem Rhythmus den Körper einer schwimmenden Figur. Auf diese Weise lässt uns diese Zeichnung die Erinnerung an unseren Körper spüren, der in der Kindheit schwamm, und die Erinnerung an unseren Körper, der sich inmitten von Schmerzen durch eine hoffnungslose Situation kämpfte. Und diese Zeichnung gibt uns auch das Gefühl, dass sich die Erinnerungen an den Körper der Person, die jetzt erneut auf eine „Reise“ geht, bewegen und an einem Ort verschmelzen. ,,Verlassen(Leaving)” ist eine Bildzeichnung mit Kohle an der Wand. Das kleine Boot vor meinen Augen steuert dem fernen Horizont entgegen. Es gibt unzählige Hände auf dem Boot, von denen jeder mit seinem eigenen Gesichtsausdruck winkt. Der Chor dieser Formen, die wie Blätter, wie Flügel oder wie Hände sind, als wären sie unerwartet aus dem Unbewussten geholt worden, scheint eine starke Trennung, ein Geschrei, einen Aufbruch und eine Flucht zu vermitteln.

Ungefähr zu dieser Zeit beginnt Yun-hee Huh mit der Arbeit an ihrem Wandgemälde. Dies ist der Beginn ihrer Wandgemäldearbeit, die seitdem mit Unterbrechungen fortgesetzt wird. Wie bereits erwähnt, ist es selbstverständlich, dass ihre Zeichnung, die Kohle verwendet, um die Erinnerung an ihren Körper zu entfalten, auf ein Wandgemälde übertragen wird, das der Größe ihres Körpers und der Flugbahn ihrer Aktion entspricht. Allerdings gibt die Tatsache, dass es sich bei diesem Wandgemälde um ein temporäres Wandgemälde handelt und dass es bald gelöscht wird, Anlass zu großer Sorge. Gleichzeitig ist es auch bemerkenswert, dass sie mit der Arbeit an „Dairy Drawing“(2003) begann, das Zeichnungen von Alltagsgegenständen (Stühle, Kronleuchter, Blattsträucher, Blumen) mit Schrift (Poesie) kombiniert. Denn ihre Arbeit, die ursprünglich einen autobiografischen und konfessionellen Charakter hatte, offenbart eine Tagebuchform, die das tägliche Leben klarer festhält. In beiden ist ihre Einstellung zum künstlerischen Akt und seiner Zeitlichkeit spürbar.

  1. Im Jahr 2003, vor ihrer Rückkehr nach Korea (2004), arbeitet Huh Yoon-hee an der Serie ,,Helle Zeichnung(Bright Drawing)’’. Der Grund dafür, dass diese Serie eine „helle“ Zeichnung ist, liegt darin, dass der Hintergrund leer bleibt und nur die Formen zum Arbeiten verwendet werden. Und dieser leere Raum ist hell. Sie zeichnet zum Beispiel Bäume, Menschen und Häuser, aber der Hintergrund wird nur minimal angedeutet oder so belassen, wie er ist. In dieser Zeichnung erscheinen die meisten Formen kontinuierlich oder überlappen sich oder bündeln sich an einer Stelle. Auch nach ihrer Rückkehr nach Korea wird weiterhin mit der gleichen Methode gezeichnet. Im Fall von ,,Blumenstrauß” (2007) gibt es ein kleines Haus, aus dessen Tür ein Blumenstrauß sprießt, während eine Hand das Haus mit einem Stück Stoff poliert. Diese Komposition, wie eine Kombination von Symbolen, in der die symbolische Schicht der Formen hervorgehoben wird, und damit diese Formgebung, die eine Art Sprung zwischen den einzelnen Formen impliziert, wird jedoch in Huhs Werk ohne große Schwierigkeiten als poetische Bilderzählung etabliert. Dies liegt daran, dass die Überzeugungskraft visueller Details, die auf die sensorische (körperliche) Ebene wirken, die Lücke zwischen den einzelnen Bildern füllt. Diese Komposition führt diese Werke auch zu einer Leinwand, auf der dynamische Bewegungen zum Ausdruck kommen und sich gegenseitige Transformationen der Formen entfalten. In ,,Zwei Gesichtern” (2005) zeigt die Bewegung der Blätter, dass Äste aus dem Kopf einer Figur wachsen, die sich in ein anderes Gesicht verwandelt. In ,,Ein Vogel werden” (2008) überlappt eine Reihe fliegender Vögel mit dem Kopf einer Person, sodass sich eine Person in einen Vogel verwandelt und der Vogel ebenfalls zu einer Person wird und in die Luft schwebt. Ihre interkörperliche Sprache erzeugt in dieser Zeit dynamische Bewegungen, offenbart den Rhythmus von Sprüngen und Kontraktionen und komponiert eine Geschichte der Transformation. Ihre Zeichnungen, die schwache Leben in statischen und düsteren Situationen darstellten, haben nun zu Zeichnungen geführt, die dynamische Vorstellungen entfalten. Die Arbeit dieser Zeit findet jedoch im Wesentlichen im Bereich der Erinnerung und Reflexion statt. Beim Zurückerinnern und Erinnern an vergangene Ereignisse muss ein verspätetes Erkennen entstanden sein. In der Hoffnung auf einen neuen Wunsch und Segen für die Zukunft kamen turbulente innere Veränderungen zum Ausdruck.
  1. Im Jahr 2006 zeichnete Huh im Soma Museum of Art in Seoul einen riesigen Kohl, der im Inneren wie ein See aufquoll, auf eine große Wand. Über die Arbeit schrieb sie:

Nach einem langen Auslandsstudium in Deutschland bin ich nach Hause zurückgekehrt. An dem Tag, an dem ich allein zum örtlichen Markt ging, nachdem ich mich von dem langen Flug erholt hatte, schien die Morgensonne leicht und im Gemüseladen stapelten sich Kohlköpfe. Plötzlich brach ich vor einem Bündel schmutzigen Kohls in Tränen aus… Ich habe mich immer nach fernen Orten gesehnt und versucht, weit weg zu gehen. Also habe ich immer Wasser geschöpft und das Wasser schwankte nur draußen. Jetzt ist das Wasser in mich eingedrungen…

Vielleicht scheint es von diesem Punkt an, dass Huhs Werk einen weiteren Übergang von der Basis aus beginnt. Wie wir ihren Schriften entnehmen können, ist zunächst einmal ein persönlicher Wandel erkennbar. Sie erzählt, dass sie in sich selbst den Schlüssel gefunden hat, sich ihren Träumen zu nähern, die sie zuvor idealerweise von einem fernen Ort aus verfolgte. Kohl ist ein konkretes Symbol dafür. Der Geist, der sein inneres Selbst ständig beobachtet und angeschaut hat, hebt nun seinen Kopf, um die alltägliche Realität zu betrachten, und positioniert sich als deren Bewohnerin. Auch ihre Arbeit weist verschiedene Aspekte auf, die sich von der Textur der vorherigen unterscheiden. Ihre Einzelausstellung ,,Kohl, Füße, Fukushima”  in der Galerie Soso, Paju, 2012 präsentierte völlig unterschiedliche Arten von Werken. Im Gegensatz zu früheren Werken, in denen die Sichtweise des Ich-Erzählers vorherrschte, greifen diese Werke die Sichtweise des Erzählers in der dritten Person auf und zielen darauf ab. Zwei Meisterwerke, ,,In dieser Nacht funkelten die Sterne besonders hell” (2012) und ,,Gebrochene Füße” (2012), basierend auf der Fukushima-Katastrophe in Ostjapan im Jahr 2011, stehen im Mittelpunkt dieser Ausstellung. Katastrophen werden durch den von Holzkohle verwendeten Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit nachgestellt. Eine Katastrophe, die aus den unendlichen Wünschen endlicher Menschen entsteht. Die Sterne sind außergewöhnlich hell, aber es gibt keine Ecke für menschliche Erwartungen. Der Fluss und die Anordnung großer und kleiner Sterne, als würden sie im riesigen Universum schweben, die Natur, die durch gebrochene Füße metaphorisiert wird, und die Szenerie einer Stadt in der Katastrophe in der Dunkelheit darunter. Dies spricht deutlich dafür, dass selbst unser triviales Alltagsleben mit einer solch prekären Situation konfrontiert ist.

Yun-hee Huh sagt, dass sie in dieser Zeit mit grünem Denken in Kontakt kam und tief davon beeinflusst wurde. Sie zeichnete auch ein Titelbild für die Zeitschrift „Green Review“ (2008~) und beteiligte sich dort an verschiedenen gemeinsamen Aktivitäten, indem sie an Studiengruppen teilnahm. Nun scheint es zu bestätigen, dass die Liebe und Sehnsucht, der Schmerz und das Mitgefühl in jedem Menschen mit den Hoffnungen und der Verzweiflung der Menschen hier verbunden sind, die in einem vergänglichen Leben und einer sozial eingeschränkten Realität leben.

  1. Ungefähr zu dieser Zeit begann sie auch mit ihrer Serie ,,Tagebuch der Blätter“ (2008~). Das Projekt wurde von der Idee von Henry David Thoreau inspiriert, dem Autor von Walden, das Huh als das bedeutendste Buch ihres Lebens bezeichnet. Thoreau, ein Pionier des ökologischen Denkens, sagte in einem Aufsatz, dass er die Idee hatte, ein Buch zu machen, indem er Blätter von Bäumen und Gras sammelte, Umrisse zeichnete und sie mit Farbe zeichnete, aber er sagte, dass er sie nicht verwirklichen konnte. Yun-hee Huh, die den Inhalt hörte, beschloss, die Idee selbst umzusetzen, und startete ,,Tagebuch der Blätter”. Es war jedoch ihre eigene Entscheidung, diese Arbeit in Form eines Tagebuchs durchzuführen. Sie ging fast jeden Tag spazieren, sammelte jedes Mal eins nach dem anderen ein, zeichnete sie und schrieb am unteren Rand des Bildes Ereignisse, Gedanken, Gedichte oder Worte auf, die an diesem Tag passierten. Die Blattbemalung ist sehr aufwendig und vor allem sticht die Individualität jedes einzelnen Blattes hervor. Der Großteil des Textes besteht aus fragmentarischen Gedanken, die ein ruhiges Gefühl darüber offenbaren, was an diesem Tag passiert ist. In Anlehnung an die Merkmale eines Tagebuchs, das die Selbstreflexion begleitet und sich gleichzeitig des Flusses der Zeit jeden Tag bewusst ist, wird das Zeichnen von Blättern zu einem Anker für die Sinne und verdichtet die Textur des „Selbstgesprächs“.

Die Essenz von ,,Tagebuch der Blätter” liegt jedoch darin, die Erinnerungen an das Leben, die jedes Blatt hat, in den Alltag zu integrieren. Das erste, was mir in den Sinn kommt, ist der Fluss von Yun-hee Huhs einzigartiger Sensibilität und Vorstellungskraft, verbunden mit dem Horizont des ökologischen Denkens. Der Ökologismus ,,stellt die Natur in den Mittelpunkt dessen, was um den Menschen, also den Menschen, existiert”. Im Gegensatz zum Umweltkonzept, das ,,die Natur als das betrachtet, was sie umgibt”, betrachtet es „den Menschen als einen Teil der Natur, der in Harmonie mit vielen lebenden und nicht lebenden Dingen existiert“. Hier ist der Mensch allen anderen Dingen und dem Leben auf dieser Welt gleichgestellt. Wie bereits bestätigt, basiert Huhs Arbeit auf der gegenseitigen physischen Kommunikation und Auseinandersetzung mit der Natur bzw. dem Gedächtnis des Körpers. Mit anderen Worten geht es darum, die Existenz anderer in einem selbst anzuerkennen und die Koexistenz mit anderen außerhalb eines selbst zu bestätigen. Es ist selbstverständlich, dass ihre Arbeiten wie diese zu ökologischen Gedanken führen. Wenn dies der Fall ist, kann ,,Tagebuch der Blätter” als ein Akt der Aufzeichnung des Prozesses der Bestätigung und Erweiterung des unbewussten Körpergedächtnisses durch bewusstes ökologisches Denken gelesen werden, also als eine Art Trainings- oder Lernprozess. Es ist, als ob dieser Akt eine Art sinnliche und konzeptionelle Performance ins Unbekannte oder vor das Publikum entfaltet.

Das Leben jedes Blattes und der Akt, seine Erinnerungen in das tägliche Leben einzuschreiben, offenbaren auch das einzigartige Zeitgefühl in diesem Werk. Die Zeitlichkeit eines Tagebuchs, die über ein einfaches Tagebuch hinausgeht, liegt in einer Art Besessenheit, die Zeit vor dem amorphen Fluss der Zeit oder dem Zusammenbruch der Zeit zu schützen. Allerdings führt die Besessenheit mit der Zeit oft zu einem Bewusstsein für die Endlichkeit der Zeit, also ihr Verschwinden. Die vor dem Zusammenbruch gerettete Zeit reagiert empfindlich auf die Zeitlichkeit der Zeit und steht dem einheitlichen Fortschritt der Zeit feindlich gegenüber. Von diesem Moment an entsteht die Absicht, die segmentale Zeiteinheit, die man Tag nennt, am Leben zu erhalten. In ,,Tagebuch der Blätter” überträgt ein Blatt jeden Tag die Zeit eines jeden Tages in ein Leben. Die vorübergehende Zeit erstrahlt in einem vorübergehenden Leben. Doch auch diese Strahlkraft verblasst, weil sie vorübergehend ist. Das Gleiche gilt für den aufgezeichneten Tagesablauf und das vorübergehende Leben bzw. die Gedanken darüber. Sie glänzen auch mit einem Leben, verschwinden aber irgendwann. Ich frage mich, ob Yun-hee Huh etwa zu dieser Zeit zu der Erkenntnis kam, dass die menschliche Zeit nicht ewig ist, dass alle menschlichen Handlungen mit der Zeit verschwinden und dass Verschwinden oder Zeitlichkeit der realistische Zustand der Hoffnung ist, die den Menschen gegeben wird. Ihr tägliches ,,Tagebuch der Blätter” ist ein Hilfsmittel, das es ihr ermöglicht, bereitwillig in diesen Lauf der Zeit einzutauchen und diesen Prozess unaufhörlich und ruhig zu beobachten.

  1. Seit ihrem Studium in Deutschland setzt Huh ihre Wandzeichnungen kontinuierlich fort. In einem einzigen Jahr im Jahr 2001 fertigte sie große Wandzeichnungen (453 x 445 cm) wie „Hütte“ oder „Hülse“ sowie „Gespräch“ und „Heimatland“ an. Im Jahr 2002 zeichnete sie ,,Verlassen” und ,,Treppe”, bei denen es sich um öffentliche Wandzeichnungen handelte. Nach ihrer Rückkehr im Jahr 2005 wurden in ihrer ersten Einzelausstellung in Südkorea „ Haut der Tage“ im Insa Art Space Zeichnungen und Wandzeichnungen gemeinsam präsentiert. In ,,Spuren der Tage”, einer Einzelausstellung im Project Space Sarubia im Jahr 2008, füllte sie die gesamten Wände mit Zeichnungen und blieb einen Monat lang im Ausstellungsraum. Es folgten zahlreiche Wandzeichnungen als ihr Hauptmedium für künstlerischen Ausdruck: ,,Herd”, Kulturpalast Wedding, Berlin, 2012; ,,Vogel”, Geumho Museum of Art, Seoul, 2017; ,,Himmel und Erde”, das sie in der Place Mak-Ausstellung „Glass Mirror“ 2018 gezeichnet habe; ,,Verschwinden” bei ihrer Einzelausstellung in der Sueño Gallery, Seoul, 2020; „Gletscher schmelzen“, gezeichnet für die Ausstellung „Katastrophe und Erholung“, Nationalmuseum für moderne und zeitgenössische Kunst, Seoul, 2021 usw.

Der Grund, warum Yun-hee Huh an Wandgemälden arbeitet, liegt wahrscheinlich darin, dass sie, wie bereits erwähnt, versucht, das Potenzial der Kohlezeichnung zu maximieren. Sie scheint zu wollen, dass ihre Kohlezeichnung, die das Gedächtnis ihres Körpers visualisiert, auf eine Größe und Intensität erweitert wird, die der Größe ihres Körpers entspricht. Sie scheint damit zu hoffen, Erinnerungen im Körper ihres Publikums zu wecken. In diesem Zusammenhang malt sie ihre Wandgemälde mit Materialien und Bildern, die sich nicht allzu sehr von ihren Kohlezeichnungen unterscheiden. Wenn jedoch keine Maßnahmen ergriffen werden, wird das Wandgemälde gelöscht. Die Zeitlichkeit von Wandgemälden stellt ein Problem dar. Wie in ,,Tagebuch der Blätter” bestätigt, akzeptiert sie die Situation, dass alles Leben und Handeln zwangsläufig vorübergehender Natur ist. Sie bekräftigt auch, dass der vorübergehende Moment wunderschön leuchten kann, weil er vorübergehend ist, und daher ewig sein kann. Das Fotografieren von Wandgemälden, das Aufzeichnen des Malvorgangs als Video oder das Zeigen in einer anderen Ausstellung kann einerseits ein Versuch sein, diese Zeitlichkeit zu überwinden. Dies ist jedoch auch ein Verfahren, um das Verschwinden und die Vergänglichkeit des Wandgemäldes erneut zu bestätigen. Die 2018 am Place Mak ausgeführten Wandgemälde sind in diesem Zusammenhang in vielerlei Hinsicht suggestiv. In dieser Ausstellung schafft sie erstmals ein Wandgemälde vor Publikum und demonstriert zudem den Prozess der Auslöschung des Werks als Performance-Arbeit. Diese Löschleistung setzt sich auch in den späteren Wandgemälden fort. Durch diese Aufführung bleibt das Publikum nicht beim Betrachten des Bildes des Wandgemäldes stehen. Das Publikum ist direkt am Arbeits- und Schöpfungsprozess beteiligt, in dem das Bild skizziert, geschaffen und verändert wird, und an dem Prozess, in dem das von ihm erlebte Bild tatsächlich gelöscht wird, Spuren hinterlässt und schließlich verschwindet. Diese Performances ersetzen die Tatsache, dass Wandgemälde gezeichnet werden und als ein einziges Konzept verschwinden. Das Entstehen und Verschwinden von Wandgemälden, Vorübergehenheit=Verschwinden, wird ernsthaft sichtbar gemacht und der Vordergrundblick geschaffen. Somit wird diese Performance zu einem weiteren Konzeptmittel, das ihr Zeitbewusstsein offenbart.

  1. Seit etwa 2020 arbeitet Yun-hee Huh an der Zeichnung „ausgestorbener Pflanzen“ unter den Titeln „Verschwindende Gesichter“ oder „Die letzte Blume“. Es muss sein, dass ihr Zeitgefühl für „Verschwinden“ oder „Zeitlichkeit“ mit ihrer ökologischen Orientierung verbunden war und in dieser Arbeit zum Vorschein kam. Sie zeichnet diese Gemälde mit Acrylfarbe oder Öl, nicht mit Kohlezeichnung. Wenn zuvor Farbe verwendet wurde, diese jedoch teilweise oder vorübergehender Natur war, kann in diesem Fall davon ausgegangen werden, dass sie in einen vollwertigen Betrieb übergegangen ist. Die Farben sind eher freigeistig als prächtig, die Linien sind matt, als wären sie von Zartheit entfernt, und auch die Formen der Blüten, Blätter und Stängel sind sehr einfach. Aber es ist eigenartig. Die Blütenknospen, die beiläufig ihr Gesicht auf dem Bildschirm zeigen, sind unregelmäßig oder unschuldig. Blätter und Stängel sind hier und da einzeln und gleichgültig gestaffelt, ohne detaillierte Beschreibungen. Die Künstlerin scheint sie aus der Sicht eines Holzschwertes zu verkörpern, als ob sie verborgen und dann enthüllt würden. Diese Pflanzen, die vom normalen Beobachtungspunkt oder dem raffinierten Gesichtspunkt der Beschreibung abweichen, sind mit ihrer rauen Schönheit geheimnisvoll.

Es ist eine wohlbekannte Tatsache, aber Wissenschaftler sagen voraus, dass von den 8 Millionen Arten, die derzeit vom Menschen entdeckt werden, 1 Million innerhalb weniger Jahrzehnte aussterben werden. So wie das Netz einer Spinne immer schwächer wird, wenn ein oder zwei seiner Fäden reißen, ist die Sicherheit des Planeten Erde, auf dem wir leben, gefährdet, da das „Netz des Lebens“ abgeschnitten wird, wenn eine Art nach der anderen verloren geht. Die aktuelle Aussterbekrise soll auf einem ähnlichen Niveau liegen wie das fünfte Massensterben vor 65 Millionen Jahren. Sie ist sich der Schwere dieser Situation bewusst und zeichnet nun ausgestorbene Pflanzen. Welche Rolle Malerei und Kunst in dieser Krisenzeit spielen, bleibt unklar. Nein, es ist noch nebliger. Was die Künstlerin tun kann, ist, dass sie nichts weiter tun kann, als zu offenbaren, was sie spürt und einfängt. Das Erspüren und Erfassen gehört jedoch zum Wesen der Kunst, das nicht ignoriert werden kann. Yun-hee Huh lässt die Spannung angesichts der vielschichtigen Situation, in der die Lebenskrise der Gemeinschaft und die innere Wahrheit des Einzelnen und der Kunst miteinander verwoben sind, nicht los. Sie wendet sich von keiner dieser Verstrickungen ab, sondern spürt und fängt sie ein und scheint sich langsam auf den Weg einer neuen Suche zu begeben.

1 Hwang Hyunsan, „Am Rande der Kritik“, ,,Eine gut artikulierte Not” (Seoul: Munye Joongang, 2012), S. 142.

2 Für Diskussionen im Zusammenhang mit dem gegenseitigen Körper siehe Hwang Hyunsan, „Poesie-Schreibkörper und Poesiesprache“, „Gut ausgedrücktes Unglück“, Munye JoongAng, 2012, S. 117–38.

3 Für Beschreibungen von ,,Runder Garten” und ,,Sarghaus” verwies ich auf Rolf Thiele, „Kreatives Verschwinden als Zeichen der Existenz”, Yun-hee Huh 1996–2003 (Bremen: Galerie Atelierhaus, 2003).

4 Huh’s ,,Tagebuch der Blätter” ist eine seit 2008 fortlaufende Serie. Eine Auswahl aus den Jahren 2008–2009 und 2011–2012 wurde 2018 als ,,Tagebuch der Blätter” beim Verlag Kungree, Paju, veröffentlicht.

5 Hyeyoung Lee, „Ökologiezentrierte Ethik in Henry David Thoreaus Walden“, Foreign Language Studies vol. 31, 2018, S. 27

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